Repertuar
Wybierz tytuł lub przejdź do strony z kalendarium
Romeria
Przejmująca, osobista podróż do własnych korzeni, film, który choć rozgrywa się w kręgu jednej rodziny, zrywa ze zbiorowym wstydem i wyparciem. Carla Simón tym razem zabiera nas do hiszpańskiej Galicji, by odtworzyć pewne lato z własnej młodości. 17-letnia Marina przyjeżdża do miasteczka Vigo po dokument, niezbędny, by dostała studenckie stypendium. Pozornie błahy, biurokratyczny wymóg wydobywa na jaw rodzinną tajemnicę, jest świadectwem ukrywanej przez lata prawdy, przerwaniem zmowy milczenia. Simón jest mistrzynią w portretowaniu rodziny: jej ukrytej struktury, wrażliwych miejsc, rytuałów, maskarad. Pojawienie się Mariny, brakującego ogniwa w łańcuchu wspomnień i pokoleń, aktywuje wypartą przeszłość i wewnętrzne konflikty. Kanty dramatu obyczajowego łagodzi poetycki, niesłychanie zmysłowy język Romeríi, w której spotykają się różne plany czasowe, przeszłość – dosłownie – ożywa, a w fikcję wplecione zostały materiały z prywatnego archiwum.
19. FGA: Szepty lasu
Film przyrodniczo dokumentalny Szepty Lasu to ekscytująca podróż w dziewicze zakątki magicznego świata pełnego tajemnic skrywanych w korze wiekowych drzew, miękkości wilgotnego mchu, szemrzącym, chłodnym strumieniu czy pomrukach dzikich zwierząt. To opowieść widziana oczami wyjątkowych mieszkańców unikalnego prastarego lasu – niedźwiedzia, rysia i wilka, których losy splatają się na górskim szlaku. Poznamy ich w sytuacjach stawiania czoła codziennymi trudnościom związanym z przetrwaniem i wychowaniem młodych, podporządkowanym cykliczności pór roku. Głosem Łukasza Skwarczyńskiego opowiedzą nam swoje niesamowite, pełne emocji historie na tle przepięknego, obfitującego w różnorodne gatunki flory i fauny miejsca - pradawnego, baśniowego, gęstego lasu.
Drugie życie
„Drugie życie” – zdobywca nagrody publiczności na festiwalu filmowym w Wenecji – to emanujący optymizmem i pogodą ducha portret dojrzałej kobiety, w którą wciela się Carmen Maura
(„Kobiety na skraju załamania nerwowego”, „Volver”).
María Ángeles od czterdziestu lat mieszka w słonecznym apartamencie w sercu marokańskiego Tangeru. To miejsce, które pamięta jej miłość, codzienne rytuały i całe życie zapisane w ścianach, meblach i drobnych gestach. Gdy zostaje zmuszona do opuszczenia swojego domu, nie potrafi się z tym pogodzić – bo dom to nie tylko adres, lecz część tożsamości. To, co początkowo wydaje się bolesną koniecznością, nieoczekiwanie stanie się jednak nowym początkiem. W życiu Marii Ángeles pojawi się miejsce zarówno na nowe grono przyjaciół, jak i na niespodziewaną miłość.
Nowy film Maryam Touzani („Turkusowa suknia”) to poruszająca i uskrzydlająca opowieść o przywiązaniu do miejsca, o dojrzałym życiu bez rezygnacji z siebie i o kobiecej niezależności, która nie zna wieku. Na ekranie zachwyca Carmen Maura, ikona filmów Almodóvara, tworząc jedną z najbardziej magnetycznych i energetycznych ról ostatnich lat – pełną humoru, uporu i czułości. „Drugie życie” to kino delikatne, słoneczne i bliskie widzowi. Opowieść o tym, że czasem, by ocalić siebie, trzeba zawalczyć o swój dom. I że nigdy nie jest za późno, by zacząć od nowa.
(„Kobiety na skraju załamania nerwowego”, „Volver”).
María Ángeles od czterdziestu lat mieszka w słonecznym apartamencie w sercu marokańskiego Tangeru. To miejsce, które pamięta jej miłość, codzienne rytuały i całe życie zapisane w ścianach, meblach i drobnych gestach. Gdy zostaje zmuszona do opuszczenia swojego domu, nie potrafi się z tym pogodzić – bo dom to nie tylko adres, lecz część tożsamości. To, co początkowo wydaje się bolesną koniecznością, nieoczekiwanie stanie się jednak nowym początkiem. W życiu Marii Ángeles pojawi się miejsce zarówno na nowe grono przyjaciół, jak i na niespodziewaną miłość.
Nowy film Maryam Touzani („Turkusowa suknia”) to poruszająca i uskrzydlająca opowieść o przywiązaniu do miejsca, o dojrzałym życiu bez rezygnacji z siebie i o kobiecej niezależności, która nie zna wieku. Na ekranie zachwyca Carmen Maura, ikona filmów Almodóvara, tworząc jedną z najbardziej magnetycznych i energetycznych ról ostatnich lat – pełną humoru, uporu i czułości. „Drugie życie” to kino delikatne, słoneczne i bliskie widzowi. Opowieść o tym, że czasem, by ocalić siebie, trzeba zawalczyć o swój dom. I że nigdy nie jest za późno, by zacząć od nowa.
Dzień Objawienia
Gdybyś dowiedział się, że nie jesteśmy sami, gdyby ktoś ci to udowodnił, czy byś się przestraszył?
Universal Pictures z dumą przedstawia nowy film autorstwa Stevena Spielberga.
W filmie „Dzień Objawienia” występują: zdobywczyni nagrody SAG i nominowana do Oscara® Emily Blunt (Oppenheimer, Ciche miejsce), zdobywca nagrody Emmy i Złotego Globu Josh O’Connor (Challengers) zdobywca Oscara® Colin Firth (Jak zostać królem, seria Kingsman), Eve Hewson (Siostry na zabój) oraz dwukrotnie nominowany do Oscara® Colman Domingo (Lincoln).
Scenariusz na podstawie opowiadania Spielberga napisał David Koepp, który wcześniej współpracował ze Spielbergiem przy scenariuszach do filmów z serii „Park Jurajski”, oraz „Wojna światów” czy „Indiana Jones i Królestwo Kryształowej Czaszki”.
Łącznie filmy te zarobiły ponad 3 miliardy dolarów na całym świecie. Koepp napisał również scenariusz do filmu „Jurassic World:Odrodzenie” z 2025 roku.
Producentami filmu „Dzień Objawienia” są pięciokrotnie nominowana do Oscara® Kristie Macosko Krieger oraz Spielberg z Amblin Entertainment.
Producentami wykonawczymi są Adam Somner i Chris Brigham.
Steven Spielberg jest jednym z najbardziej utytułowanych i wpływowych twórców filmowych w branży. Jest reżyserem takich hitów: jak “Szczęki”, „E.T.” seria "Indiana Jones" i "Jurassic Park". Jest trzykrotnym zdobywcą Oscara®, w tym dla najlepszego reżysera i najlepszego filmu za „Listę Schindlera”, która otrzymała łącznie siedem Oscarów® oraz dla najlepszego reżysera za „Szeregowca Ryana”. Jego ostatni film „Fabelmanowie”, otrzymał siedem nominacji do Oscara®, w tym za reżyserię, najlepszy scenariusz oryginalny, najlepszą aktorkę i najlepszy film.
Universal Pictures z dumą przedstawia nowy film autorstwa Stevena Spielberga.
W filmie „Dzień Objawienia” występują: zdobywczyni nagrody SAG i nominowana do Oscara® Emily Blunt (Oppenheimer, Ciche miejsce), zdobywca nagrody Emmy i Złotego Globu Josh O’Connor (Challengers) zdobywca Oscara® Colin Firth (Jak zostać królem, seria Kingsman), Eve Hewson (Siostry na zabój) oraz dwukrotnie nominowany do Oscara® Colman Domingo (Lincoln).
Scenariusz na podstawie opowiadania Spielberga napisał David Koepp, który wcześniej współpracował ze Spielbergiem przy scenariuszach do filmów z serii „Park Jurajski”, oraz „Wojna światów” czy „Indiana Jones i Królestwo Kryształowej Czaszki”.
Łącznie filmy te zarobiły ponad 3 miliardy dolarów na całym świecie. Koepp napisał również scenariusz do filmu „Jurassic World:Odrodzenie” z 2025 roku.
Producentami filmu „Dzień Objawienia” są pięciokrotnie nominowana do Oscara® Kristie Macosko Krieger oraz Spielberg z Amblin Entertainment.
Producentami wykonawczymi są Adam Somner i Chris Brigham.
Steven Spielberg jest jednym z najbardziej utytułowanych i wpływowych twórców filmowych w branży. Jest reżyserem takich hitów: jak “Szczęki”, „E.T.” seria "Indiana Jones" i "Jurassic Park". Jest trzykrotnym zdobywcą Oscara®, w tym dla najlepszego reżysera i najlepszego filmu za „Listę Schindlera”, która otrzymała łącznie siedem Oscarów® oraz dla najlepszego reżysera za „Szeregowca Ryana”. Jego ostatni film „Fabelmanowie”, otrzymał siedem nominacji do Oscara®, w tym za reżyserię, najlepszy scenariusz oryginalny, najlepszą aktorkę i najlepszy film.
FEDERICO FELLINI: ciao a tutti!: Noce Cabirii
„Noce Cabirii” Federica Felliniego to jeden z najpiękniejszych filmów o ludzkiej potrzebie miłości - tej naiwnej, upartej, czasem wręcz rozpaczliwej, ale nigdy śmiesznej. Grana przez Giuliettę Masinę Cabiria jest kobietą, która raz po raz zostaje upokorzona, oszukana i porzucona, a mimo to nie potrafi całkowicie zrezygnować z wiary, że gdzieś istnieje dla niej lepsze życie. Na co dzień trudzi się ona najstarszym zawodem świata. Fellini patrzy na nią z ogromną czułością: nie jako na ofiarę, lecz jako na kogoś, kto w świecie obrzydliwego cynizmu był w stanie zachować zdumiewającą czystość duchową i zdolność do nadziei.
Rzymskie przedmieścia, nocne ulice, kabarety i procesje religijne tworzą przestrzeń, w której sacrum miesza się z banałem, a marzenie o zbawieniu może pojawić się zarówno w kościele, jak i na pustym placu po kolejnym życiowym rozczarowaniu. Największa siła „Nocy Cabirii” tkwi jednak w twarzy Giulietty Masiny — w jej oczach, uśmiechu, nagłych przejawach dumy i równie nagłych momentach bezbronności.
„Noce Cabirii” przyniosły mistrzowi z Rimini drugiego w karierze Oscara dla najlepszego filmu nieanglojęzycznego. Co ciekawe, postać Cabirii pojawiła się już wcześniej w filmografii Felliniego, w „Białym szejku” (1952), również w wykonaniu ukochanej przez niego Masiny.
Rzymskie przedmieścia, nocne ulice, kabarety i procesje religijne tworzą przestrzeń, w której sacrum miesza się z banałem, a marzenie o zbawieniu może pojawić się zarówno w kościele, jak i na pustym placu po kolejnym życiowym rozczarowaniu. Największa siła „Nocy Cabirii” tkwi jednak w twarzy Giulietty Masiny — w jej oczach, uśmiechu, nagłych przejawach dumy i równie nagłych momentach bezbronności.
„Noce Cabirii” przyniosły mistrzowi z Rimini drugiego w karierze Oscara dla najlepszego filmu nieanglojęzycznego. Co ciekawe, postać Cabirii pojawiła się już wcześniej w filmografii Felliniego, w „Białym szejku” (1952), również w wykonaniu ukochanej przez niego Masiny.
FEDERICO FELLINI: ciao a tutti!: Słodkie życie
„Słodkie życie” to dzieło, którym Federico Fellini otwiera na oścież drzwi do własnego wielkiego teatru nowoczesności. Stolica Włoch nie jest tu już tylko miastem, lecz labiryntem pragnień, perwersji, plotek, fleszy, procesji i spektakularnych przyjęć. Marcello Rubini (w tej roli Marcello Mastroianni) dryfuje przez kolejne nieprzespane noce i środowiska - arystokratów, gwiazd filmowych, intelektualistów, dziennikarzy, ludzi Kościoła i ludzi skandalu.
Tytułowe „słodkie życie” ma u Felliniego gorzki smak zmęczenia i deziluzji. To nie jest prosta satyra na rozwijającą się wówczas socjetę boomu ekonomicznego, dekadencję ani moralitet o zepsuciu elit. Reżyser pokazuje świat kuszący, piękny i błyszczący, ale podszyty duchową pustką. Słynna scena w fontannie di Trevi ze zjawiskową Anitą Ekberg i Marcello Mastroiannim należy do najbardziej zmysłowych obrazów w historii kina, lecz nawet ona nie prowadzi do spełnienia - jest raczej snem, który rozpływa się o świcie, zanim zdąży stać się czymś prawdziwym.
Film Felliniego zdobył Złotą Palmę w Cannes i na zawsze zmienił język kina i popkultury. To właśnie od nazwiska fotografa Paparazzo wzięło się popularne określenie „paparazzi” - jeden z wielu dowodów na to, jak mocno „Słodkie życie” przeniknęło do naszej codzienności.
Tytułowe „słodkie życie” ma u Felliniego gorzki smak zmęczenia i deziluzji. To nie jest prosta satyra na rozwijającą się wówczas socjetę boomu ekonomicznego, dekadencję ani moralitet o zepsuciu elit. Reżyser pokazuje świat kuszący, piękny i błyszczący, ale podszyty duchową pustką. Słynna scena w fontannie di Trevi ze zjawiskową Anitą Ekberg i Marcello Mastroiannim należy do najbardziej zmysłowych obrazów w historii kina, lecz nawet ona nie prowadzi do spełnienia - jest raczej snem, który rozpływa się o świcie, zanim zdąży stać się czymś prawdziwym.
Film Felliniego zdobył Złotą Palmę w Cannes i na zawsze zmienił język kina i popkultury. To właśnie od nazwiska fotografa Paparazzo wzięło się popularne określenie „paparazzi” - jeden z wielu dowodów na to, jak mocno „Słodkie życie” przeniknęło do naszej codzienności.
FEDERICO FELLINI: ciao a tutti!: Wałkonie
„Wałkonie” Federica Felliniego to film, który zaczyna się jak lekka opowieść o paczce próżniaków z prowincjonalnego miasteczka, a po chwili okazuje się jednym z najczulszych portretów młodości, która nie potrafi - albo po prostu nie chce - dorosnąć. Bohaterowie włóczą się po kawiarniach, plażach i salach balowych, uciekając przed pracą, odpowiedzialnością i decyzjami, które mogłyby bezpowrotnie odmienić ich życie. Fellini nie osądza ich jednak surowo. Patrzy na nich z ironią, ale też z melancholią, jakby wiedział, że za każdą maską beztroski kryje się przede wszystkim strach.
W „Wałkoniach” nie trzeba wielkich dramatów, by poczuć ciężar niespełnienia - wystarczy nocny spacer po sennym miasteczku, karnawałowy żart czy spojrzenie granego przez Franca Interlenghiego Moralda, który zaczyna rozumieć, że pozostanie w tym miejscu może być najcichszą formą klęski. Warto zobaczyć ten film właśnie dla tej mieszaniny czułości i goryczy, dla Felliniego jeszcze „ziemskiego”, bliskiego zwykłym ludziom i ich tylko pozornie błahym sprawom.
„Wałkonie” zachwyciły wielu twórców światowego formatu, w tym Martina Scorsesego, który inspirował się dziełem Włocha przy „Ulicach nędzy” (1973). Trudno się dziwić: w obu filmach pulsuje podobna energia grupy młodych mężczyzn, którzy śmiechem zagłuszają lęk przed dorosłością.
Co ciekawe, Federico Fellini obsadził w filmie swojego brata: Riccardo Fellini wciela się w jednego z tytułowych bohaterów.
W „Wałkoniach” nie trzeba wielkich dramatów, by poczuć ciężar niespełnienia - wystarczy nocny spacer po sennym miasteczku, karnawałowy żart czy spojrzenie granego przez Franca Interlenghiego Moralda, który zaczyna rozumieć, że pozostanie w tym miejscu może być najcichszą formą klęski. Warto zobaczyć ten film właśnie dla tej mieszaniny czułości i goryczy, dla Felliniego jeszcze „ziemskiego”, bliskiego zwykłym ludziom i ich tylko pozornie błahym sprawom.
„Wałkonie” zachwyciły wielu twórców światowego formatu, w tym Martina Scorsesego, który inspirował się dziełem Włocha przy „Ulicach nędzy” (1973). Trudno się dziwić: w obu filmach pulsuje podobna energia grupy młodych mężczyzn, którzy śmiechem zagłuszają lęk przed dorosłością.
Co ciekawe, Federico Fellini obsadził w filmie swojego brata: Riccardo Fellini wciela się w jednego z tytułowych bohaterów.
Janosik Dzieciom: Minionki i straszydła
Po światowym sukcesie najzabawniejszej komedii lata 2024 roku, „Gru i Minionki: pod przykrywką”, studio Illumination rozszerza swój radosny animowany świat o nowy, pełen szaleństw rozdział w nowym filmie „Minionki i straszydła”.
To zuchwała, absurdalna historia o tym, jak Minionki podbiły Hollywood, zostały gwiazdami filmowymi, następnie straciły wszystko, uwolniły straszydła, aby ostatecznie zjednoczyć siły i spróbować ocalić planetę przed chaosem, który same wywołały.
To zuchwała, absurdalna historia o tym, jak Minionki podbiły Hollywood, zostały gwiazdami filmowymi, następnie straciły wszystko, uwolniły straszydła, aby ostatecznie zjednoczyć siły i spróbować ocalić planetę przed chaosem, który same wywołały.
Janosik Szkrabom: Reksio i paw, Awantura z kretem, Wakacje na wsi
Janosik Szkrabom to cykl adresowany dla najmłodszych, często debiutujących widzów. Gramy przy delikatnie włączonym świetle, ciszej i bez reklam. Za przyzwoitą cenę zaprosimy Was z pocieszkami na kultowe animacje ze Studio Filmów Rysunkowych w Bielsku Białej, które z całą pewnością nie zawiodą treścią, a w dziecku pobudza ciekawość, a i jest szansa, że dzieci chętnie do kina wrócą. Do zobaczenia w Janosiku!
*** Reksio i paw,
reż. R. Lepióra
Suczka, którą Reksio darzy wyjątkową sympatią, zaczyna go ignorować, poznawszy pawia. Reks prubóje być równie dostojny i godny jak rywal, jednak bez powodzenia. Kiedy jednak okazuje się, że paw jest nadętym egoistą - uczucia suczki zmieniają się radykalnie i wraca jej sympatia do miłego Reksia.
*** Przygody Myszki: Awantura z kretem
reż. E. Kotowski
Myszka pozbywa się niewygodnego intruza, który niszczy jej kwietniki w ogrodzie.
*** Przygody Bolka i Lolka - Wycieczka kajakiem,
E. Wątor, R. Kłys
Podczas wakacji na wsi Bolek i Lolek przeżywają zabawne konflikty z podwórkowymi zwierzętami.
*** Reksio i paw,
reż. R. Lepióra
Suczka, którą Reksio darzy wyjątkową sympatią, zaczyna go ignorować, poznawszy pawia. Reks prubóje być równie dostojny i godny jak rywal, jednak bez powodzenia. Kiedy jednak okazuje się, że paw jest nadętym egoistą - uczucia suczki zmieniają się radykalnie i wraca jej sympatia do miłego Reksia.
*** Przygody Myszki: Awantura z kretem
reż. E. Kotowski
Myszka pozbywa się niewygodnego intruza, który niszczy jej kwietniki w ogrodzie.
*** Przygody Bolka i Lolka - Wycieczka kajakiem,
E. Wątor, R. Kłys
Podczas wakacji na wsi Bolek i Lolek przeżywają zabawne konflikty z podwórkowymi zwierzętami.
Kino Dostępne: Arco
Nominowany do Oscara®, wizjonerski film animowany Ugo Bienvenu – ARCO – to poetycka, pełna nadziei przygodowa opowieść science‑fantasy dla widzów w każdym wieku.
Wyprodukowany przez Natalie Portman wraz z Félixem de Givry i Sophie Mas, film opowiada historię 10‑letniego chłopca z przyszłości, który przypadkowo przenosi się do roku 2075, gdzie poznaje Iris – dziewczynkę dorastającą w technologicznym świecie. Między dziećmi rodzi się niezwykła przyjaźń, pełna ciekawości, delikatnego humoru i wzajemnego zachwytu nad odmiennością swoich światów. W ich wspólnej misji splatają się wielkie emocje, przygoda i opowieść o nadziei na przyszłość, która pomimo wyzwań może być lepsza, niż nam się wydaje.
Zaprezentowany premierowo podczas Festiwalu Filmowego w Cannes 2025 (pokazy specjalne) i uhonorowany Kryształem dla Najlepszego Pełnometrażowego Filmu Animowanego na Międzynarodowym Festiwalu Animacji w Annecy, ARCO szybko wyrósł na jeden z najgłośniejszych debiutów animowanych dekady. Zdobycie Europejskiej Nagrody Filmowej i ponad 40 nominacji, w tym do Złotych Globów i BAFTA, to dowód uznania na całym świecie dla wrażliwości, uniwersalnego przesłania i autorskiego stylu tej wyjątkowej animacji.
Wyprodukowany przez Natalie Portman wraz z Félixem de Givry i Sophie Mas, film opowiada historię 10‑letniego chłopca z przyszłości, który przypadkowo przenosi się do roku 2075, gdzie poznaje Iris – dziewczynkę dorastającą w technologicznym świecie. Między dziećmi rodzi się niezwykła przyjaźń, pełna ciekawości, delikatnego humoru i wzajemnego zachwytu nad odmiennością swoich światów. W ich wspólnej misji splatają się wielkie emocje, przygoda i opowieść o nadziei na przyszłość, która pomimo wyzwań może być lepsza, niż nam się wydaje.
Zaprezentowany premierowo podczas Festiwalu Filmowego w Cannes 2025 (pokazy specjalne) i uhonorowany Kryształem dla Najlepszego Pełnometrażowego Filmu Animowanego na Międzynarodowym Festiwalu Animacji w Annecy, ARCO szybko wyrósł na jeden z najgłośniejszych debiutów animowanych dekady. Zdobycie Europejskiej Nagrody Filmowej i ponad 40 nominacji, w tym do Złotych Globów i BAFTA, to dowód uznania na całym świecie dla wrażliwości, uniwersalnego przesłania i autorskiego stylu tej wyjątkowej animacji.
Kino Dostępne: Kumotry
Historia przyjaźni kobiet zamieszkujących wymierającą polską wieś w rumuńskich Karpatach. Hanka i Bronka pochowały już mężów, dzieci wyjechały za granicę w poszukiwaniu innych, lepszych perspektyw. Samodzielne i niezależne bohaterki imponują pogodą ducha, choć ich rzeczywistość nieubłaganie odchodzi w przeszłość. Pozostają wspomnienia o czasach, które już nie wrócą – i wspólne stawianie czoła wyzwaniom codzienności. Nostalgiczny obraz niknącego świata skrzy się bezpretensjonalnym humorem i zachwyca zdjęciami, oddającymi zniewalający urok karpackiego pogórza. Zwracając uwagę na szczegóły, reżyserka tworzy wzruszający film o pamięci, przyjaźni i przemijaniu. Pokazując ludzi, którzy potrafią być dla siebie wszystkim, skłania nas do przewartościowania priorytetów i spojrzenia na rzeczywistość z mniej uczęszczanej strony.
Kino Dostępne: Młode matki
Klub Filmowy Urania zaprasza na nowy film braci Dardenne.
Akcja filmu rozgrywa się w domu opieki dla młodych matek w belgijskim Liège. Poznajemy pięć nastolatek – Julie, Jessicę, Perlę, Naïmę i Ariane – zmuszonych do tego, by zmierzyć się z trudami wczesnego macierzyństwa. Każda z dziewczyn, których los do tej pory nie oszczędzał, ma inną historię.
Krytycy zgodnie uważają, że jest to jeden z najbardziej wzruszających oraz przekonujących filmów braci Dardenne.
W KINACH OD 22 MAJA 2026 ROKU
Julie, mająca w przeszłości problemy z nałogami, próbuje zacząć wszystko od nowa. Jessica i Perla, poza wychowawcami oraz pracownikami ośrodka, nie mogą liczyć na żadne wsparcie. Pierwszą z dziewczyn po urodzeniu porzuciła matka, z którą po latach chciałaby się pojednać, druga zmaga się z obojętnością ze strony siostry oraz partnera. Naïma marzy, by w końcu znaleźć stabilizację i bezpieczeństwo. Z kolei piętnastoletnia Ariane, chcąc skończyć szkołę, myśli o tym, by oddać dziecko do rodziny zastępczej, wbrew woli swojej matki.
Młode bohaterki zmagają się nie tylko z trudami codzienności pełnej nowych obowiązków, ale również z traumami z przeszłości, które noszą w sobie. Dom opieki wydaje się być jedynym miejscem, gdzie czują się rozumiane i zaopiekowane.
„Młode matki” to kolejna pełna humanizmu i empatii opowieść belgijskich braci o tych, którzy zwykle nie mają głosu. Realizm historii łączy się tu z nutą nadziei związaną z wartościami takimi jak solidarność czy wsparcie. Film, oparty na obserwacjach z autentycznego ośrodka pomocy, obrazuje ich walkę o lepszą przyszłość dla siebie i swoich dzieci.
Akcja filmu rozgrywa się w domu opieki dla młodych matek w belgijskim Liège. Poznajemy pięć nastolatek – Julie, Jessicę, Perlę, Naïmę i Ariane – zmuszonych do tego, by zmierzyć się z trudami wczesnego macierzyństwa. Każda z dziewczyn, których los do tej pory nie oszczędzał, ma inną historię.
Krytycy zgodnie uważają, że jest to jeden z najbardziej wzruszających oraz przekonujących filmów braci Dardenne.
W KINACH OD 22 MAJA 2026 ROKU
Julie, mająca w przeszłości problemy z nałogami, próbuje zacząć wszystko od nowa. Jessica i Perla, poza wychowawcami oraz pracownikami ośrodka, nie mogą liczyć na żadne wsparcie. Pierwszą z dziewczyn po urodzeniu porzuciła matka, z którą po latach chciałaby się pojednać, druga zmaga się z obojętnością ze strony siostry oraz partnera. Naïma marzy, by w końcu znaleźć stabilizację i bezpieczeństwo. Z kolei piętnastoletnia Ariane, chcąc skończyć szkołę, myśli o tym, by oddać dziecko do rodziny zastępczej, wbrew woli swojej matki.
Młode bohaterki zmagają się nie tylko z trudami codzienności pełnej nowych obowiązków, ale również z traumami z przeszłości, które noszą w sobie. Dom opieki wydaje się być jedynym miejscem, gdzie czują się rozumiane i zaopiekowane.
„Młode matki” to kolejna pełna humanizmu i empatii opowieść belgijskich braci o tych, którzy zwykle nie mają głosu. Realizm historii łączy się tu z nutą nadziei związaną z wartościami takimi jak solidarność czy wsparcie. Film, oparty na obserwacjach z autentycznego ośrodka pomocy, obrazuje ich walkę o lepszą przyszłość dla siebie i swoich dzieci.
Kino Dostępne: Ojczyzna
Najnowszy, długo wyczekiwany film laureata Oscara®, Pawła Pawlikowskiego, twórcy „Idy” i „Zimnej wojny”, który powalczy o jedną z najważniejszych nagród filmowych na świecie - Złotą Palmę (Palme d’Or) na tegorocznym 79. Międzynarodowym Festiwalu Filmowym w Cannes.
„Ojczyzna" opowiada o relacji między Thomasem Mannem (Hanns Zischler), laureatem Nagrody Nobla w dziedzinie literatury, a jego córką Eriką (Sandra Hüller) – aktorką i pisarką. Akcja rozgrywa się w szczytowym okresie zimnej wojny. Ojciec i córka wyruszają w trudną, pełną emocji podróż czarnym Buickiem przez zrujnowane Niemcy – z Frankfurtu pod kontrolą amerykańską do Weimaru pod wpływem sowieckim. Po raz pierwszy od zakończenia wojny Mann wraca do swojej ojczyzny, po tym jak podjął wcześniej trudną decyzję o emigracji do Stanów Zjednoczonych.
Producentami filmu są: Mario Gianani i Lorenzo Mieli (OUR Films), Ewa Puszczyńska (Extreme Emotions), Jeanne Tremsal i Edward Berger (Nine Hours), Dimitri Rassam (Chapter 2) oraz Lorenzo Gangarossa (Circle One). Ze strony polskiej film powstał w koprodukcji z Canal + Polska, Wytwórnią Filmów Fabularnych we Wrocławiu, Dolnośląskim Centrum Filmowym i Instytucją Filmową Silesia-Film. Film został współfinansowany przez Polski Instytut Sztuki Filmowej. Produkcję dofinansowano także ze środków Ministerstwa Kultury i Dziedzictwa Narodowego.
„Ojczyzna" opowiada o relacji między Thomasem Mannem (Hanns Zischler), laureatem Nagrody Nobla w dziedzinie literatury, a jego córką Eriką (Sandra Hüller) – aktorką i pisarką. Akcja rozgrywa się w szczytowym okresie zimnej wojny. Ojciec i córka wyruszają w trudną, pełną emocji podróż czarnym Buickiem przez zrujnowane Niemcy – z Frankfurtu pod kontrolą amerykańską do Weimaru pod wpływem sowieckim. Po raz pierwszy od zakończenia wojny Mann wraca do swojej ojczyzny, po tym jak podjął wcześniej trudną decyzję o emigracji do Stanów Zjednoczonych.
Producentami filmu są: Mario Gianani i Lorenzo Mieli (OUR Films), Ewa Puszczyńska (Extreme Emotions), Jeanne Tremsal i Edward Berger (Nine Hours), Dimitri Rassam (Chapter 2) oraz Lorenzo Gangarossa (Circle One). Ze strony polskiej film powstał w koprodukcji z Canal + Polska, Wytwórnią Filmów Fabularnych we Wrocławiu, Dolnośląskim Centrum Filmowym i Instytucją Filmową Silesia-Film. Film został współfinansowany przez Polski Instytut Sztuki Filmowej. Produkcję dofinansowano także ze środków Ministerstwa Kultury i Dziedzictwa Narodowego.
Klasyka na TOPie na Dzień Ojca: Rambo: Pierwsza krew.
Chciał tylko coś zjeść, a zapoczątkował jedną z najważniejszych serii w historii kina.
Weteran wojny w Wietnamie, John J. Rambo (Sylvester Stallone), dociera do miasteczka Hope w stanie Waszyngton, by odnaleźć dawnego przyjaciela. Miejscowy szeryf (Brian Dennehy) uznaje go za przybłędę i próbuje zmusić do opuszczenia miasta. Gdy Rambo odmawia, przedstawiciele policji zaczynają się nad nim znęcać. Mężczyzna ucieka w miejsce, w którym potrafi walczyć najlepiej – do otaczającego miasteczko lasu. Od tej pory to policja będzie dla niego zwierzyną.
Kultowy film Teda Kotcheffa pozwolił Sylvestrowi Stallone wspiąć się na szczyt listy największych gwiazd Hollywood, a ponadto doczekał się czterech kontynuacji i tysięcy nawiązań w popkulturze. Często zapomina się jednak, że „Rambo: Pierwsza krew” to nie tylko doskonały film akcji, ale przede wszystkim arcydzieło kina antywojennego mierzące się z problemem stresu pourazowego i bezlitośnie rozdrapujące ranę, którą dla amerykańskiego społeczeństwa była zakończona niedawno wojna w Wietnamie.
Weteran wojny w Wietnamie, John J. Rambo (Sylvester Stallone), dociera do miasteczka Hope w stanie Waszyngton, by odnaleźć dawnego przyjaciela. Miejscowy szeryf (Brian Dennehy) uznaje go za przybłędę i próbuje zmusić do opuszczenia miasta. Gdy Rambo odmawia, przedstawiciele policji zaczynają się nad nim znęcać. Mężczyzna ucieka w miejsce, w którym potrafi walczyć najlepiej – do otaczającego miasteczko lasu. Od tej pory to policja będzie dla niego zwierzyną.
Kultowy film Teda Kotcheffa pozwolił Sylvestrowi Stallone wspiąć się na szczyt listy największych gwiazd Hollywood, a ponadto doczekał się czterech kontynuacji i tysięcy nawiązań w popkulturze. Często zapomina się jednak, że „Rambo: Pierwsza krew” to nie tylko doskonały film akcji, ale przede wszystkim arcydzieło kina antywojennego mierzące się z problemem stresu pourazowego i bezlitośnie rozdrapujące ranę, którą dla amerykańskiego społeczeństwa była zakończona niedawno wojna w Wietnamie.
Klasyka na TOPie: Following
Pierwszy film Christophera Nolana po raz pierwszy w polskich kinach! Zobacz narodziny stylu jednego z najważniejszych współczesnych reżyserów, zanim na ekrany trafi jego najnowsza produkcja „Odyseja”.
Pełnometrażowy debiut reżyserski Christophera Nolana jest jednocześnie manifestem jego przyszłego kina: labiryntowej narracji, obsesji kontroli i fascynacji płynną naturą tożsamości. Nakręcony za minimalny budżet (zaledwie 6 000 $!), w czerni i bieli, z wykorzystaniem naturalnego światła i londyńskich mieszkań przyjaciół reżysera, „Following” pozostaje jednym z najbardziej wyrazistych przykładów niezależnego kina lat 90.
Bohater filmu, bezimienny młody pisarz, zaczyna śledzić przypadkowych ludzi na ulicach Londynu, traktując ich jako materiał do swoich obserwacji. Z początku niewinna fascynacja szybko zamienia się jednak w niebezpieczny rytuał, gdy spotyka charyzmatycznego włamywacza Cobba — przewodnika po świecie manipulacji, performowania własnej osobowości i moralnej dezorientacji. Nolan prowadzi widza przez serię pozornie niepowiązanych zdarzeń, rozbijając linearność opowieści i zmuszając odbiorcę do ciągłego rekonstruowania rzeczywistości.
Już w tym wczesnym filmie ujawniają się wszystkie motywy, które później zdefiniują twórczość autora „Memento”, „Incepcji” czy „Oppenheimera”: fragmentaryczna pamięć, nieufność wobec percepcji, bohaterowie uwięzieni w konstrukcjach własnego umysłu oraz czas traktowany jako narzędzie dramaturgicznej manipulacji. „Following” funkcjonuje jak szkic przyszłego stylu Nolana, ale zarazem pozostaje dziełem niezwykle surowym i intymnym — miejskim noir o samotności, obsesji i pragnieniu przejęcia kontroli nad cudzym życiem.
To kino tworzone z ograniczeń: z niedoboru budżetu, czasu i środków technicznych. Właśnie dzięki tej ascetycznej formie „Following” zachowuje wyjątkową intensywność i dokumentalną wręcz bliskość londyńskiej przestrzeni końca lat 90. Film pokazuje narodziny jednego z najważniejszych współczesnych reżyserów nie jako spektakularny debiut, lecz jako precyzyjnie skonstruowany eksperyment narracyjny, w którym każda scena staje się częścią większej układanki.
Film będzie prezentowany w odrestaurowanej cyfrowo wersji obrazu i dźwięku, nad której przygotowaniem Christopher Nolan czuwał osobiście.
Pełnometrażowy debiut reżyserski Christophera Nolana jest jednocześnie manifestem jego przyszłego kina: labiryntowej narracji, obsesji kontroli i fascynacji płynną naturą tożsamości. Nakręcony za minimalny budżet (zaledwie 6 000 $!), w czerni i bieli, z wykorzystaniem naturalnego światła i londyńskich mieszkań przyjaciół reżysera, „Following” pozostaje jednym z najbardziej wyrazistych przykładów niezależnego kina lat 90.
Bohater filmu, bezimienny młody pisarz, zaczyna śledzić przypadkowych ludzi na ulicach Londynu, traktując ich jako materiał do swoich obserwacji. Z początku niewinna fascynacja szybko zamienia się jednak w niebezpieczny rytuał, gdy spotyka charyzmatycznego włamywacza Cobba — przewodnika po świecie manipulacji, performowania własnej osobowości i moralnej dezorientacji. Nolan prowadzi widza przez serię pozornie niepowiązanych zdarzeń, rozbijając linearność opowieści i zmuszając odbiorcę do ciągłego rekonstruowania rzeczywistości.
Już w tym wczesnym filmie ujawniają się wszystkie motywy, które później zdefiniują twórczość autora „Memento”, „Incepcji” czy „Oppenheimera”: fragmentaryczna pamięć, nieufność wobec percepcji, bohaterowie uwięzieni w konstrukcjach własnego umysłu oraz czas traktowany jako narzędzie dramaturgicznej manipulacji. „Following” funkcjonuje jak szkic przyszłego stylu Nolana, ale zarazem pozostaje dziełem niezwykle surowym i intymnym — miejskim noir o samotności, obsesji i pragnieniu przejęcia kontroli nad cudzym życiem.
To kino tworzone z ograniczeń: z niedoboru budżetu, czasu i środków technicznych. Właśnie dzięki tej ascetycznej formie „Following” zachowuje wyjątkową intensywność i dokumentalną wręcz bliskość londyńskiej przestrzeni końca lat 90. Film pokazuje narodziny jednego z najważniejszych współczesnych reżyserów nie jako spektakularny debiut, lecz jako precyzyjnie skonstruowany eksperyment narracyjny, w którym każda scena staje się częścią większej układanki.
Film będzie prezentowany w odrestaurowanej cyfrowo wersji obrazu i dźwięku, nad której przygotowaniem Christopher Nolan czuwał osobiście.
Klasyka na TOPie: Podziemny krąg
Młody yuppie (Edward Norton), wbity w narzucony przez "wyścig szczurów" styl życia, cierpi na bezsenność. Za namową lekarza trafia na spotkania terapeutyczne ludzi ciężko i śmiertelnie chorych. Paradoksalnie odnajduje - w spotkaniach pełnych bólu i cierpienia - spokój. Wkrótce spotyka na swej drodze przewrotnego anarchistę Tylera Durdena (Brad Pitt), który imponuje mu swym nieskrępowaniem i wyzwoleniem. Obaj szybko stają się swoim wzajemnym dopełnieniem. Organizują zamknięte walki - Podziemny Krąg, który przeradza się w paramilitarną organizację anarchistyczną.
Klub Filmowy Urania: Młode matki
Klub Filmowy Urania zaprasza na nowy film braci Dardenne.
Akcja filmu rozgrywa się w domu opieki dla młodych matek w belgijskim Liège. Poznajemy pięć nastolatek – Julie, Jessicę, Perlę, Naïmę i Ariane – zmuszonych do tego, by zmierzyć się z trudami wczesnego macierzyństwa. Każda z dziewczyn, których los do tej pory nie oszczędzał, ma inną historię.
Krytycy zgodnie uważają, że jest to jeden z najbardziej wzruszających oraz przekonujących filmów braci Dardenne.
W KINACH OD 22 MAJA 2026 ROKU
Julie, mająca w przeszłości problemy z nałogami, próbuje zacząć wszystko od nowa. Jessica i Perla, poza wychowawcami oraz pracownikami ośrodka, nie mogą liczyć na żadne wsparcie. Pierwszą z dziewczyn po urodzeniu porzuciła matka, z którą po latach chciałaby się pojednać, druga zmaga się z obojętnością ze strony siostry oraz partnera. Naïma marzy, by w końcu znaleźć stabilizację i bezpieczeństwo. Z kolei piętnastoletnia Ariane, chcąc skończyć szkołę, myśli o tym, by oddać dziecko do rodziny zastępczej, wbrew woli swojej matki.
Młode bohaterki zmagają się nie tylko z trudami codzienności pełnej nowych obowiązków, ale również z traumami z przeszłości, które noszą w sobie. Dom opieki wydaje się być jedynym miejscem, gdzie czują się rozumiane i zaopiekowane.
„Młode matki” to kolejna pełna humanizmu i empatii opowieść belgijskich braci o tych, którzy zwykle nie mają głosu. Realizm historii łączy się tu z nutą nadziei związaną z wartościami takimi jak solidarność czy wsparcie. Film, oparty na obserwacjach z autentycznego ośrodka pomocy, obrazuje ich walkę o lepszą przyszłość dla siebie i swoich dzieci.
Akcja filmu rozgrywa się w domu opieki dla młodych matek w belgijskim Liège. Poznajemy pięć nastolatek – Julie, Jessicę, Perlę, Naïmę i Ariane – zmuszonych do tego, by zmierzyć się z trudami wczesnego macierzyństwa. Każda z dziewczyn, których los do tej pory nie oszczędzał, ma inną historię.
Krytycy zgodnie uważają, że jest to jeden z najbardziej wzruszających oraz przekonujących filmów braci Dardenne.
W KINACH OD 22 MAJA 2026 ROKU
Julie, mająca w przeszłości problemy z nałogami, próbuje zacząć wszystko od nowa. Jessica i Perla, poza wychowawcami oraz pracownikami ośrodka, nie mogą liczyć na żadne wsparcie. Pierwszą z dziewczyn po urodzeniu porzuciła matka, z którą po latach chciałaby się pojednać, druga zmaga się z obojętnością ze strony siostry oraz partnera. Naïma marzy, by w końcu znaleźć stabilizację i bezpieczeństwo. Z kolei piętnastoletnia Ariane, chcąc skończyć szkołę, myśli o tym, by oddać dziecko do rodziny zastępczej, wbrew woli swojej matki.
Młode bohaterki zmagają się nie tylko z trudami codzienności pełnej nowych obowiązków, ale również z traumami z przeszłości, które noszą w sobie. Dom opieki wydaje się być jedynym miejscem, gdzie czują się rozumiane i zaopiekowane.
„Młode matki” to kolejna pełna humanizmu i empatii opowieść belgijskich braci o tych, którzy zwykle nie mają głosu. Realizm historii łączy się tu z nutą nadziei związaną z wartościami takimi jak solidarność czy wsparcie. Film, oparty na obserwacjach z autentycznego ośrodka pomocy, obrazuje ich walkę o lepszą przyszłość dla siebie i swoich dzieci.
Klub Filmowy Urania: Romeria
Klub Filmowy Urania zaprasza na przejmującą, osobistą podróż do własnych korzeni. Film, który choć rozgrywa się w kręgu jednej rodziny, zrywa ze zbiorowym wstydem i wyparciem.
Carla Simón tym razem zabiera nas do hiszpańskiej Galicji, by odtworzyć pewne lato z własnej młodości. 17-letnia Marina przyjeżdża do miasteczka Vigo po dokument, niezbędny, by dostała studenckie stypendium. Pozornie błahy, biurokratyczny wymóg wydobywa na jaw rodzinną tajemnicę, jest świadectwem ukrywanej przez lata prawdy, przerwaniem zmowy milczenia. Simón jest mistrzynią w portretowaniu rodziny: jej ukrytej struktury, wrażliwych miejsc, rytuałów, maskarad. Pojawienie się Mariny, brakującego ogniwa w łańcuchu wspomnień i pokoleń, aktywuje wypartą przeszłość i wewnętrzne konflikty.
Kanty dramatu obyczajowego łagodzi poetycki, niesłychanie zmysłowy język Romeríi, w której spotykają się różne plany czasowe, przeszłość – dosłownie – ożywa, a w fikcję wplecione zostały materiały z prywatnego archiwum.
Carla Simón tym razem zabiera nas do hiszpańskiej Galicji, by odtworzyć pewne lato z własnej młodości. 17-letnia Marina przyjeżdża do miasteczka Vigo po dokument, niezbędny, by dostała studenckie stypendium. Pozornie błahy, biurokratyczny wymóg wydobywa na jaw rodzinną tajemnicę, jest świadectwem ukrywanej przez lata prawdy, przerwaniem zmowy milczenia. Simón jest mistrzynią w portretowaniu rodziny: jej ukrytej struktury, wrażliwych miejsc, rytuałów, maskarad. Pojawienie się Mariny, brakującego ogniwa w łańcuchu wspomnień i pokoleń, aktywuje wypartą przeszłość i wewnętrzne konflikty.
Kanty dramatu obyczajowego łagodzi poetycki, niesłychanie zmysłowy język Romeríi, w której spotykają się różne plany czasowe, przeszłość – dosłownie – ożywa, a w fikcję wplecione zostały materiały z prywatnego archiwum.
Klub Filmowy Urania: Zawieście czerwone latarnie (4K)
Klub Filmowy Urania zaprasza na słynne chińskie arcydzieło i jeden z najpiękniejszych filmów lat 90
Po raz pierwszy w polskich kinach w nowej wersji 4K.
„Zawieście czerwone latarnie” to absolutna perła w bogatym i eklektycznym dorobku Zhanga Yimou („Żyć”, „Hero”). Adaptacja opowiadania Su Tonga „Żony i konkubiny” przyniosła mu międzynarodowe uznanie i status nowego mistrza światowego kina. Srebrny Lew w Wenecji, nagroda BAFTA dla najlepszego filmu nieanglojęzycznego oraz nominacja oscarowa tylko dopełniły sukces reżysera. W głównej roli błyszczy natomiast Gong Li („Czerwone sorgo”, „Wyznania gejszy”), która dziewięciokrotnie współpracowała z Zhangiem i szybko stała się ikoną współczesnego kina.
Film zachwyca nowatorskim użyciem koloru, mistrzowską aranżacją zabytkowych XVIII-wiecznych przestrzeni, dramaturgiczną precyzją czy głęboko feministyczną refleksją. Choć chińska cenzura dostrzegła w nim metaforę autorytarnego systemu i opóźniła krajową dystrybucję, nic nie mogło zaszkodzić jego sławie. Z czasem wyrafinowana kostiumowa opowieść zagościła na wielu listach z najlepszymi tytułami w historii kina.
Akcja rozgrywa się w latach 20. XX wieku. 19-letnia Songlian zostaje czwartą konkubiną zamożnego pana Chena. Trafia do jego imponującej posiadłości, gdzie obowiązują specyficzne zasady, a każdy aspekt codzienności kształtują wielowiekowe tradycje. Główna bohaterka powoli odkrywa, że w kobiecym gronie, do którego dołączyła, trwa rywalizacja o względy pana domu. Do czego mogą jednak doprowadzić ciągłe erupcje zazdrości, atmosfera wzajemnych oskarżeń i niepewność dotycząca własnej pozycji? Czy niedoświadczona Songlian odnajdzie się w skomplikowanym labiryncie dziedzińców i korytarzy?
Rekonstrukcja filmu w jakości 4K pozwala jeszcze bardziej docenić jego wizualną urodę. Symetryczne malarskie kadry, gra czerwonych świateł oraz zjawiskowe kostiumy i scenografie tworzą niezapomniany estetyczny spektakl.
Po raz pierwszy w polskich kinach w nowej wersji 4K.
„Zawieście czerwone latarnie” to absolutna perła w bogatym i eklektycznym dorobku Zhanga Yimou („Żyć”, „Hero”). Adaptacja opowiadania Su Tonga „Żony i konkubiny” przyniosła mu międzynarodowe uznanie i status nowego mistrza światowego kina. Srebrny Lew w Wenecji, nagroda BAFTA dla najlepszego filmu nieanglojęzycznego oraz nominacja oscarowa tylko dopełniły sukces reżysera. W głównej roli błyszczy natomiast Gong Li („Czerwone sorgo”, „Wyznania gejszy”), która dziewięciokrotnie współpracowała z Zhangiem i szybko stała się ikoną współczesnego kina.
Film zachwyca nowatorskim użyciem koloru, mistrzowską aranżacją zabytkowych XVIII-wiecznych przestrzeni, dramaturgiczną precyzją czy głęboko feministyczną refleksją. Choć chińska cenzura dostrzegła w nim metaforę autorytarnego systemu i opóźniła krajową dystrybucję, nic nie mogło zaszkodzić jego sławie. Z czasem wyrafinowana kostiumowa opowieść zagościła na wielu listach z najlepszymi tytułami w historii kina.
Akcja rozgrywa się w latach 20. XX wieku. 19-letnia Songlian zostaje czwartą konkubiną zamożnego pana Chena. Trafia do jego imponującej posiadłości, gdzie obowiązują specyficzne zasady, a każdy aspekt codzienności kształtują wielowiekowe tradycje. Główna bohaterka powoli odkrywa, że w kobiecym gronie, do którego dołączyła, trwa rywalizacja o względy pana domu. Do czego mogą jednak doprowadzić ciągłe erupcje zazdrości, atmosfera wzajemnych oskarżeń i niepewność dotycząca własnej pozycji? Czy niedoświadczona Songlian odnajdzie się w skomplikowanym labiryncie dziedzińców i korytarzy?
Rekonstrukcja filmu w jakości 4K pozwala jeszcze bardziej docenić jego wizualną urodę. Symetryczne malarskie kadry, gra czerwonych świateł oraz zjawiskowe kostiumy i scenografie tworzą niezapomniany estetyczny spektakl.
Minionki i straszydła
Po światowym sukcesie najzabawniejszej komedii lata 2024 roku, „Gru i Minionki: pod przykrywką”, studio Illumination rozszerza swój radosny animowany świat o nowy, pełen szaleństw rozdział w nowym filmie „Minionki i straszydła”.
To zuchwała, absurdalna historia o tym, jak Minionki podbiły Hollywood, zostały gwiazdami filmowymi, następnie straciły wszystko, uwolniły straszydła, aby ostatecznie zjednoczyć siły i spróbować ocalić planetę przed chaosem, który same wywołały.
To zuchwała, absurdalna historia o tym, jak Minionki podbiły Hollywood, zostały gwiazdami filmowymi, następnie straciły wszystko, uwolniły straszydła, aby ostatecznie zjednoczyć siły i spróbować ocalić planetę przed chaosem, który same wywołały.
Niedziela z Dokumentem: Dziecko z pyłu
Sang był jednym z setek tysięcy dzieci spłodzonych przez amerykańskich żołnierzy podczas wojny w Wietnamie. Dziś, już jako dojrzały człowiek, chciałby poznać biologicznego ojca.
Wyprawa do USA znaczy dla niego bardzo dużo, kiedy jednak spotyka swoją nową rodzinę, nic nie jest tym, czego się spodziewał. Podróż w poszukiwaniu własnej tożsamości i przynależności zamienia się w opowieść o doznanych krzywdach, nieprzepracowanych traumach i różnicach kulturowych.
Krążąc między dwoma kontynentami, film pokazuje z bliska, jak to niezwykłe spotkanie po latach wpłynęło na obie strony i co przy okazji ujawniło.
Wyprawa do USA znaczy dla niego bardzo dużo, kiedy jednak spotyka swoją nową rodzinę, nic nie jest tym, czego się spodziewał. Podróż w poszukiwaniu własnej tożsamości i przynależności zamienia się w opowieść o doznanych krzywdach, nieprzepracowanych traumach i różnicach kulturowych.
Krążąc między dwoma kontynentami, film pokazuje z bliska, jak to niezwykłe spotkanie po latach wpłynęło na obie strony i co przy okazji ujawniło.
Niesamowita historia Mumbo Jumbo
Kiedy Mumbo Jumbo magicznie urósł do gigantycznych rozmiarów, musi wyruszyć w niebezpieczną podróż z trójką przyjaciół, aby odnaleźć straszną czarownicę Babę Jagę, która znów go zmniejszy. To pełna przygód wyprawa, która może sprawić, że Mumbo Jumbo znów stanie się mały, ale w środku znacznie większy.
Ojczyzna
Najnowszy, długo wyczekiwany film laureata Oscara®, Pawła Pawlikowskiego, twórcy „Idy” i „Zimnej wojny”, który powalczy o jedną z najważniejszych nagród filmowych na świecie - Złotą Palmę (Palme d’Or) na tegorocznym 79. Międzynarodowym Festiwalu Filmowym w Cannes.
„Ojczyzna" opowiada o relacji między Thomasem Mannem (Hanns Zischler), laureatem Nagrody Nobla w dziedzinie literatury, a jego córką Eriką (Sandra Hüller) – aktorką i pisarką. Akcja rozgrywa się w szczytowym okresie zimnej wojny. Ojciec i córka wyruszają w trudną, pełną emocji podróż czarnym Buickiem przez zrujnowane Niemcy – z Frankfurtu pod kontrolą amerykańską do Weimaru pod wpływem sowieckim. Po raz pierwszy od zakończenia wojny Mann wraca do swojej ojczyzny, po tym jak podjął wcześniej trudną decyzję o emigracji do Stanów Zjednoczonych.
Producentami filmu są: Mario Gianani i Lorenzo Mieli (OUR Films), Ewa Puszczyńska (Extreme Emotions), Jeanne Tremsal i Edward Berger (Nine Hours), Dimitri Rassam (Chapter 2) oraz Lorenzo Gangarossa (Circle One). Ze strony polskiej film powstał w koprodukcji z Canal + Polska, Wytwórnią Filmów Fabularnych we Wrocławiu, Dolnośląskim Centrum Filmowym i Instytucją Filmową Silesia-Film. Film został współfinansowany przez Polski Instytut Sztuki Filmowej. Produkcję dofinansowano także ze środków Ministerstwa Kultury i Dziedzictwa Narodowego.
„Ojczyzna" opowiada o relacji między Thomasem Mannem (Hanns Zischler), laureatem Nagrody Nobla w dziedzinie literatury, a jego córką Eriką (Sandra Hüller) – aktorką i pisarką. Akcja rozgrywa się w szczytowym okresie zimnej wojny. Ojciec i córka wyruszają w trudną, pełną emocji podróż czarnym Buickiem przez zrujnowane Niemcy – z Frankfurtu pod kontrolą amerykańską do Weimaru pod wpływem sowieckim. Po raz pierwszy od zakończenia wojny Mann wraca do swojej ojczyzny, po tym jak podjął wcześniej trudną decyzję o emigracji do Stanów Zjednoczonych.
Producentami filmu są: Mario Gianani i Lorenzo Mieli (OUR Films), Ewa Puszczyńska (Extreme Emotions), Jeanne Tremsal i Edward Berger (Nine Hours), Dimitri Rassam (Chapter 2) oraz Lorenzo Gangarossa (Circle One). Ze strony polskiej film powstał w koprodukcji z Canal + Polska, Wytwórnią Filmów Fabularnych we Wrocławiu, Dolnośląskim Centrum Filmowym i Instytucją Filmową Silesia-Film. Film został współfinansowany przez Polski Instytut Sztuki Filmowej. Produkcję dofinansowano także ze środków Ministerstwa Kultury i Dziedzictwa Narodowego.
Robin Hood: Koniec legendy
Hugh Jackman (Logan: Wolverine), Jodie Comer (Obsesja Eve), Bill Skarsgård (To) w mrocznej opowieści o odkupieniu. Zapomnijcie o historii, którą znacie. Nadchodzi najbardziej bezkompromisowa opowieść o legendarnym banicie.
Robin Hood (Hugh Jackman), który do tej pory wiódł życie bandyty – naznaczone przemocą, krwią i cierpieniem – pogodził się z tym, że każda kolejna bitwa może być jego ostatnią. Jednak los pisze dla niego inny scenariusz. Ciężko ranny trafia pod opiekę tajemniczej kobiety (Jodie Comer) oraz poznaje bezbronną dziewczynkę, której grozi śmiertelne niebezpieczeństwo. Stając w jej obronie, przekonuje się, że walka o niewinne dziecko może być jego najważniejszą walką – walką o odkupienie.
Robin Hood (Hugh Jackman), który do tej pory wiódł życie bandyty – naznaczone przemocą, krwią i cierpieniem – pogodził się z tym, że każda kolejna bitwa może być jego ostatnią. Jednak los pisze dla niego inny scenariusz. Ciężko ranny trafia pod opiekę tajemniczej kobiety (Jodie Comer) oraz poznaje bezbronną dziewczynkę, której grozi śmiertelne niebezpieczeństwo. Stając w jej obronie, przekonuje się, że walka o niewinne dziecko może być jego najważniejszą walką – walką o odkupienie.
SMOK (Spotkania Młodych Odkrywców Kina). Trzy kolory: Czerwony
Czerwony to film zamykający trylogię Trzech kolorów. Braterstwo. O tym właśnie trzecim haśle Wielkiej Rewolucji Francuskiej traktuje film - i braterstwo jest w "Czerwonym" siłą najważniejszą. To też swoisty artystyczny testament reżysera, jest to bowiem ostatni film, jaki zrealizował…
Młoda modelka Valentine (Irene Jacob) to wrażliwa i ciepła dziewczyna. Gdy potrąca na ulicy psa - najpierw zawozi go do weterynarza, by potem spróbować oddać prawdziwemu właścicielowi. Jest nim emerytowany sędzia Joseph (Jean-Louis Trintignant). To zmęczony, sfrustrowany człowiek, znajdujący przyjemność w podsłuchiwaniu sąsiadów i poznawaniu ich najskrytszych, często wstydliwych sekretów. Valentine jest początkowo oburzona postępowaniem sędziego. Ale z czasem ten zgorzkniały i zamknięty w sobie mężczyzna zaczyna ją coraz bardziej intrygować. Przekona się też, że tajemnica sędziego nie będzie jedyną jego tajemnicą, którą pozna...
Młoda modelka Valentine (Irene Jacob) to wrażliwa i ciepła dziewczyna. Gdy potrąca na ulicy psa - najpierw zawozi go do weterynarza, by potem spróbować oddać prawdziwemu właścicielowi. Jest nim emerytowany sędzia Joseph (Jean-Louis Trintignant). To zmęczony, sfrustrowany człowiek, znajdujący przyjemność w podsłuchiwaniu sąsiadów i poznawaniu ich najskrytszych, często wstydliwych sekretów. Valentine jest początkowo oburzona postępowaniem sędziego. Ale z czasem ten zgorzkniały i zamknięty w sobie mężczyzna zaczyna ją coraz bardziej intrygować. Przekona się też, że tajemnica sędziego nie będzie jedyną jego tajemnicą, którą pozna...
Straszny film [dubbing]
Dwóch przyjaciół po raz kolejny wpada w sam środek chaosu z udziałem zabójców, potworów i nadprzyrodzonych istot.
Sztuka na Ekranie: André Rieu. Niech żyje Maastricht! Retransmisja letniego koncertu z Maastricht 2026
Zasiądź z bliskimi w kinie, bo czeka na Was 20. już retransmisja letniego koncertu André Rieu z Maastricht! Tak, tak... W lipcu 2026 roku Maestro i jego ukochana Orkiestra Johanna Straussa po raz kolejny wystąpią na Vrijthof, słynnym placu tego urokliwego średniowiecznego miasteczka. Król Walca i jego goście zagrają po raz 20. dla ściągających tu co roku z całego świata kilkudziesięciu tysięcy miłośników dobrej muzyki. Na szczęście ten wspaniały letni wieczór będzie retransmitowany już jesienią do kin całego świata. Czeka Was więc seans pełen uroczych walców i marszy Johannów Straussów ojca i syna, ale też songi ze słynnych musicali „My Fair Lady” czy „Nędznicy”, jak również inne hity, choćby „Obój Gabriela” Ennia Morricone z filmu „Misja”. Oprócz Platynowych Tenorów i sopranistek o międzynarodowej renomie pojawią się też gwiazdy, które nigdy wcześniej nie występowały na Vrijthof. To będzie spektakularny jubileusz!
Nowy show pt. „Niech żyje Maastricht!” to radosny hołd dla rodzinnego miasta Maestra, w którym wszystko się zaczęło. 20 lat temu André Rieu i jego Orkiestra Johanna Straussa po raz pierwszy wystąpili na Vrijthof. Średniowieczny plac zamienił się wtedy w lśniącą salę balową na świeżym powietrzu. Publiczność wysłuchała pierwszego tego typu koncertu, a wszystko pod letnim niebem, usianym migoczącymi gwiazdami. Sukces był niebywały, tym bardziej że całość była retransmitowana do kin. Teraz walc „Nad pięknym modrym Dunajem” i „Marsz Radetzky’ego” zabrzmią dla publiczności na całym świecie po raz dwudziesty.
„Jestem niezwykle podekscytowany tym jubileuszem. W lipcu tego roku po raz 20. zagram nasz letni koncert w Maastricht – mówi André Rieu. – Mam nadzieję, że wyjątkowa atmosfera Vrijthof, najstarszego placu w Holandii, znów poruszy serca i dusze wszystkich widzów. To fantastyczne, że ten koncert będzie można zobaczyć również w kinach na całym świecie, w tym w Polsce, i to już jesienią. Jestem przekonany, że ucieszy on Was tak samo, jak mnie i moją orkiestrę. Niech żyje Maastricht!”.
Dla polskich widzów retransmisję poprowadzi jak zwykle Maja Jasińska, która nie tylko jest flecistką w Orkiestrze Johanna Straussa, ale i niezrównaną ambasadorką całego przedsięwzięcia. Dzięki niej zajrzymy za kulisy i wysłuchamy wywiadu z André Rieu, przeprowadzonego przez nią wyłącznie dla polskich widzów kinowych.
Nowy show pt. „Niech żyje Maastricht!” to radosny hołd dla rodzinnego miasta Maestra, w którym wszystko się zaczęło. 20 lat temu André Rieu i jego Orkiestra Johanna Straussa po raz pierwszy wystąpili na Vrijthof. Średniowieczny plac zamienił się wtedy w lśniącą salę balową na świeżym powietrzu. Publiczność wysłuchała pierwszego tego typu koncertu, a wszystko pod letnim niebem, usianym migoczącymi gwiazdami. Sukces był niebywały, tym bardziej że całość była retransmitowana do kin. Teraz walc „Nad pięknym modrym Dunajem” i „Marsz Radetzky’ego” zabrzmią dla publiczności na całym świecie po raz dwudziesty.
„Jestem niezwykle podekscytowany tym jubileuszem. W lipcu tego roku po raz 20. zagram nasz letni koncert w Maastricht – mówi André Rieu. – Mam nadzieję, że wyjątkowa atmosfera Vrijthof, najstarszego placu w Holandii, znów poruszy serca i dusze wszystkich widzów. To fantastyczne, że ten koncert będzie można zobaczyć również w kinach na całym świecie, w tym w Polsce, i to już jesienią. Jestem przekonany, że ucieszy on Was tak samo, jak mnie i moją orkiestrę. Niech żyje Maastricht!”.
Dla polskich widzów retransmisję poprowadzi jak zwykle Maja Jasińska, która nie tylko jest flecistką w Orkiestrze Johanna Straussa, ale i niezrównaną ambasadorką całego przedsięwzięcia. Dzięki niej zajrzymy za kulisy i wysłuchamy wywiadu z André Rieu, przeprowadzonego przez nią wyłącznie dla polskich widzów kinowych.
Toy Story 5
Zabawki powracają w filmie Disneya i Pixara „Toy Story 5”, w którym na scenę wkracza technologia.
Buzz, Chudy, Jessie i reszta ekipy mają trudne zadanie, gdy przychodzi im zmierzyć się z zupełnie nowym zagrożeniem.
Buzz, Chudy, Jessie i reszta ekipy mają trudne zadanie, gdy przychodzi im zmierzyć się z zupełnie nowym zagrożeniem.
WAJDA: re-wizje: Brzezina
Chory na gruźlicę Staś przybywa do domu starszego brata. Ich spotkanie wyznacza śmierć. Staś, choć umierający, pragnie w ostatniej fazie życia cieszyć się każdą chwilą. Jego brat, Bolesław, choć fizycznie zdrowy, pogrąża się w coraz głębszej żałobie po stracie żony. Staś nawiązuje romans z wiejską dziewczyną, gra na pianinie skoczne melodie, stara się przeżyć najpełniej każdą godzinę życia. Tymczasem Bolesław zatraca się w depresji, znęca się nad córką, odrzuca wszelkie radości, chce nie tylko cierpieć, ale też oczekuje, by cierpieli inni.
W zmysłowo piękniej adaptacji opowiadania Jarosława Iwaszkiewicza związki Erosa i Tanatosa wyznaczają sens ludzkiego życia. Śmierć i życie, seksualność i martwota ciał łączą się tu w idealnych proporcjach. Wajda stworzył jeden z najbardziej plastycznych filmów, oprawę wizualną oparł na malarstwie pejzażowym i symbolizmie przełomu XIX i XX wieku, a w jednej ze scen dokonał arcydzielnej interpretacji Śmierci Jacka Malczewskiego. Nakręcony dla telewizji film z początku nie miał tak szerokiej dystrybucji jak inne filmy Wajdy, ale gdy po dziesięciu latach trafił na Zachód, został tam przyjęty jako jedno z największych arcydzieł w dorobku reżysera.
W zmysłowo piękniej adaptacji opowiadania Jarosława Iwaszkiewicza związki Erosa i Tanatosa wyznaczają sens ludzkiego życia. Śmierć i życie, seksualność i martwota ciał łączą się tu w idealnych proporcjach. Wajda stworzył jeden z najbardziej plastycznych filmów, oprawę wizualną oparł na malarstwie pejzażowym i symbolizmie przełomu XIX i XX wieku, a w jednej ze scen dokonał arcydzielnej interpretacji Śmierci Jacka Malczewskiego. Nakręcony dla telewizji film z początku nie miał tak szerokiej dystrybucji jak inne filmy Wajdy, ale gdy po dziesięciu latach trafił na Zachód, został tam przyjęty jako jedno z największych arcydzieł w dorobku reżysera.
Zawieście czerwone latarnie (4K)
Słynne chińskie arcydzieło i jeden z najpiękniejszych filmów lat 90.
Po raz pierwszy w polskich kinach w nowej wersji 4K.
„Zawieście czerwone latarnie” to absolutna perła w bogatym i eklektycznym dorobku Zhanga Yimou („Żyć”, „Hero”). Adaptacja opowiadania Su Tonga „Żony i konkubiny” przyniosła mu międzynarodowe uznanie i status nowego mistrza światowego kina. Srebrny Lew w Wenecji, nagroda BAFTA dla najlepszego filmu nieanglojęzycznego oraz nominacja oscarowa tylko dopełniły sukces reżysera. W głównej roli błyszczy natomiast Gong Li („Czerwone sorgo”, „Wyznania gejszy”), która dziewięciokrotnie współpracowała z Zhangiem i szybko stała się ikoną współczesnego kina.
Film zachwyca nowatorskim użyciem koloru, mistrzowską aranżacją zabytkowych XVIII-wiecznych przestrzeni, dramaturgiczną precyzją czy głęboko feministyczną refleksją. Choć chińska cenzura dostrzegła w nim metaforę autorytarnego systemu i opóźniła krajową dystrybucję, nic nie mogło zaszkodzić jego sławie. Z czasem wyrafinowana kostiumowa opowieść zagościła na wielu listach z najlepszymi tytułami w historii kina.
Akcja rozgrywa się w latach 20. XX wieku. 19-letnia Songlian zostaje czwartą konkubiną zamożnego pana Chena. Trafia do jego imponującej posiadłości, gdzie obowiązują specyficzne zasady, a każdy aspekt codzienności kształtują wielowiekowe tradycje. Główna bohaterka powoli odkrywa, że w kobiecym gronie, do którego dołączyła, trwa rywalizacja o względy pana domu. Do czego mogą jednak doprowadzić ciągłe erupcje zazdrości, atmosfera wzajemnych oskarżeń i niepewność dotycząca własnej pozycji? Czy niedoświadczona Songlian odnajdzie się w skomplikowanym labiryncie dziedzińców i korytarzy?
Rekonstrukcja filmu w jakości 4K pozwala jeszcze bardziej docenić jego wizualną urodę. Symetryczne malarskie kadry, gra czerwonych świateł oraz zjawiskowe kostiumy i scenografie tworzą niezapomniany estetyczny spektakl.
Po raz pierwszy w polskich kinach w nowej wersji 4K.
„Zawieście czerwone latarnie” to absolutna perła w bogatym i eklektycznym dorobku Zhanga Yimou („Żyć”, „Hero”). Adaptacja opowiadania Su Tonga „Żony i konkubiny” przyniosła mu międzynarodowe uznanie i status nowego mistrza światowego kina. Srebrny Lew w Wenecji, nagroda BAFTA dla najlepszego filmu nieanglojęzycznego oraz nominacja oscarowa tylko dopełniły sukces reżysera. W głównej roli błyszczy natomiast Gong Li („Czerwone sorgo”, „Wyznania gejszy”), która dziewięciokrotnie współpracowała z Zhangiem i szybko stała się ikoną współczesnego kina.
Film zachwyca nowatorskim użyciem koloru, mistrzowską aranżacją zabytkowych XVIII-wiecznych przestrzeni, dramaturgiczną precyzją czy głęboko feministyczną refleksją. Choć chińska cenzura dostrzegła w nim metaforę autorytarnego systemu i opóźniła krajową dystrybucję, nic nie mogło zaszkodzić jego sławie. Z czasem wyrafinowana kostiumowa opowieść zagościła na wielu listach z najlepszymi tytułami w historii kina.
Akcja rozgrywa się w latach 20. XX wieku. 19-letnia Songlian zostaje czwartą konkubiną zamożnego pana Chena. Trafia do jego imponującej posiadłości, gdzie obowiązują specyficzne zasady, a każdy aspekt codzienności kształtują wielowiekowe tradycje. Główna bohaterka powoli odkrywa, że w kobiecym gronie, do którego dołączyła, trwa rywalizacja o względy pana domu. Do czego mogą jednak doprowadzić ciągłe erupcje zazdrości, atmosfera wzajemnych oskarżeń i niepewność dotycząca własnej pozycji? Czy niedoświadczona Songlian odnajdzie się w skomplikowanym labiryncie dziedzińców i korytarzy?
Rekonstrukcja filmu w jakości 4K pozwala jeszcze bardziej docenić jego wizualną urodę. Symetryczne malarskie kadry, gra czerwonych świateł oraz zjawiskowe kostiumy i scenografie tworzą niezapomniany estetyczny spektakl.
Zawodowcy
JAKE GYLLENHAAL I HENRY CAVILL jako specjaliści od brudnej roboty w błyskotliwie skonstruowanym filmie akcji w reżyserii GUYA RITCHIEGO.
Misterna intryga, porywające sceny akcji, solidna dawka humoru w najlepszym filmie Guya Ritchiego od czasu „DŻENTELMENÓW”.
Specjalistka od zabójczo trudnych negocjacji i jej zaprawiona w bojach ekipa w starciu z cynicznym miliarderem. Pędzący przez kilka kontynentów filmowy rollercoaster, czyli rozrywka na najwyższym poziomie.
Eve, działająca w szarej strefie specjalistka od załatwiania ekstremalnie trudnych spraw dla wyjątkowo bogatych klientów otrzymuje zlecenie od grupy nowojorskich inwestorów. Ma odzyskać dług od mieszkającego na prywatnej wyspie, dysponującego własną armią miliardera o szemranej reputacji. Gdy zawodzą cywilizowane metody negocjacji i staje się jasne, że dłużnik nie ma najmniejszego zamiaru regulować należności, do gry wchodzi ekipa do zadań specjalnych. To grupa byłych żołnierzy, z którymi Eve pracuje do lat. Wspólnie opracowują i wcielają w życie misterny plan wtargnięcia na wyspę, „załatwienia sprawy” i ucieczki. Brzmi prosto, ale ludzie miliardera są przygotowani na takie ewentualności, a okazywanie litości nie należy do zakresu ich obowiązków.
Misterna intryga, porywające sceny akcji, solidna dawka humoru w najlepszym filmie Guya Ritchiego od czasu „DŻENTELMENÓW”.
Specjalistka od zabójczo trudnych negocjacji i jej zaprawiona w bojach ekipa w starciu z cynicznym miliarderem. Pędzący przez kilka kontynentów filmowy rollercoaster, czyli rozrywka na najwyższym poziomie.
Eve, działająca w szarej strefie specjalistka od załatwiania ekstremalnie trudnych spraw dla wyjątkowo bogatych klientów otrzymuje zlecenie od grupy nowojorskich inwestorów. Ma odzyskać dług od mieszkającego na prywatnej wyspie, dysponującego własną armią miliardera o szemranej reputacji. Gdy zawodzą cywilizowane metody negocjacji i staje się jasne, że dłużnik nie ma najmniejszego zamiaru regulować należności, do gry wchodzi ekipa do zadań specjalnych. To grupa byłych żołnierzy, z którymi Eve pracuje do lat. Wspólnie opracowują i wcielają w życie misterny plan wtargnięcia na wyspę, „załatwienia sprawy” i ucieczki. Brzmi prosto, ale ludzie miliardera są przygotowani na takie ewentualności, a okazywanie litości nie należy do zakresu ich obowiązków.
Jeśli chcesz na bieżąco otrzymywać informacje o wydarzeniach, zapisz się do NEWSLETTERA.
Wysyłamy tylko istotne informacje o nowościach, zmianach lub odwołanych wydarzenia.